"Amèlie" es una de las últimas películas francesas de mayor éxito. Creada por el director Jean-Pierre Jeunet en el 2001, antes de que se preodujese el atentado terrorista contra las Torres Gemelas. La película fue entendida como una evasión ante los desastres del mundo real. Jeunet, director de "Delicatessen" - una oscura comedia- se centra en el mundo de los sentimientos con este film. El título original es "El fabuloso destino de Amèlie Poulain", nombre mucho más sugerente que el resultado de la traducción. Tal vez ésto tuvo repercusión en que la película enganchó más al espectador tiempo después de su grabación.
Los actores que dan vida a los protagonistas son Audrey Tautou - película que le lanzó a la fama y que le permitió ser la protagonista del "Código da Vinci"- y Mathieu Kassovitz.El film estuvo nominado a los Oscar por la Mejor película de habla no inglesa, Mejor guión, Mejor director, Fotografía, Dirección Artística y Sonido.
Amèlie Poulain es una joven con muchas ilusiones e inquietudes. Es una adolescente que quiere vivir intensamente y descubrir los secretos de la vida. Increíblemente optimista. Desea conocer el mundo... a su manera. Sin embargo, la protagonista vive también en una tristeza que trata de contrarrestar ayudando a los que necesiten a alguien al lado y "castigar" a quien se comporta de forma injusta y cruel con los demás.
El tiempo no logra arrebatarle ese optimismo y su personalidad enamora a todos sus vecinos. Comienza a trabajar en un café con unas compañeras ya desencantadas e infelices, que tratan de "despertar" a Amèlie de su inocencia pero que en el fondo siguen buscando la ilusión.
Amèlie intenta dar a cada uno lo que merece: esperanza a los desesperados, compañía a los solitarios, sonrisas a los infelices y un buen merecido al frutero del barrio. Empeñada en que el mundo sea algo mejor, trata de que el descorazonado frutero cambie su actitud, ya que se dedica a hacer imposible la jornada laboral de su ayudante. ¿Y qué hace Amèlie? Organiza una serie de perfectas maniobras que desquiciarán al frutero: le cambia los relojes de hora, el número de zapatillas, le quita la luz... Y cuando tiene la ocasión le dice que "usted nunca podrá ser una hortaliza porque hasta éstas tienen corazón". Y es que, siguiendo la filosofía de la protagonista, alguien tiene que hacer algo al respecto con las malas personas. Pero no todo iban a ser castigos... su compañera de trabajo, que ha dejado de tener fe en el amor, volverá a enamorarse gracias a los pequeños "trucos" clandestinos que la propia Amèlie prepara.
También convencerá a su padre de que la vida no se reduce a lamentos, y le invitará a que siga el ejemplo del gnomo del jardín, del que Amèlie se encarga de que viaje por el mundo.
A veces incomprendida por su actitud diferente ante el día a día, Amèlie encontrará a un aliado especial: su anciano vecino. La protagonista le ha estado observando días seguidos hasta que comienza a hablar con él y crean una relación intensa en la que ambos aprenderán a comprender lo que antes no tenía respuesta para ellos. Y es que el anciano se dedica a la pintura, a pesar de la enfermedad que le afecta a las manos, y encuentra un problema con uno de sus cuadros: no sabe qué expresión ponerle a una chica retratada que está evadida ante una reunión con unas cuantas personas. Cuando conoce a Amèlie ambos se dan cuenta de que la persona del cuadro es como la protagonista: es diferente y no encuentra su sitio. Sin embargo, un día... el destino, después de tanto esfuero, guarda para ella lo mejor. Amèlie encontratá el amor tras un libro con fotografías tomadas en un fotomatón de personas desconocidas, que el chico del que se enamora ha perdido y le devuelve indirectamente. Como la caja de juguetes que la protagonista encuentra escondida en su casa y se la devuelve a su propietario, llevándole recuerdos de la infancia, Amèlie intenta construir grandes historias a partir de los detalles más mínimos. No se atreve a hablar con el chico, pero sabe que están destinados porque ella tiene la sensación de conocerle sin haber tenido ningún contacto con él antes. Así, ante el problema que le supone acercarse a él, decide ir dándole pistas hasta que llega el momento de encontrarse. Amèlie convierte la situación en un juego interesante y divertida que le permite ver que el chico al que quiere es como ella, mantiene la ilusión. Y es que el "juego" hace que la trama sea especial. Amèlie está en una constante búsqueda de la felicidad y la basa en los detalles más pequeños que la cámara consiguió transmitir al público.
Parece que estamos ante una película surrealista, en la que la protagonista camina en un "cuento de hadas". Pero es que son los sentimientos, los de los que le rodean y los de ella misma, los que la mantienen viva. Audrey Tautou supo interpretar el personaje con dulzura para dar un aspecto inocente, pero acompañado de una chispa maliciosa, que hacen que la película sea emotiva sin resultar "empalagosa".
Amèlie es la vecina que todo el mundo quisiera tener.
Un largometraje con grandes toques de humor, que reparte emoción en cada escena. Una película recomendada para los que saben vivir intensamente, los que se sienten diferentes a la mayoría pero también para que aquellos que creen que no tienen ilusión saquen a la Amèlie que se suele perder con la infancia. Como el anciano, que al final supo darle la expresión adecuada a su retrato.
¿Has visto Amèlie? ¿Te gustó? Si no has tenido la oportunidad de disfrutar de una pelicula como esta aún, no pierdas otro día.
Aunque la última producción sobre el desastre del Titanic, la de James Cameron, haya sido la más fastuosa y cara de la historia no es, ni mucho menos, la única. Si navegamos hacia el pasado podemos encontrar hasta ocho películas sobre la catástrofe, además de mini producciones, documentales, libros, artículos y todo tipo de escritos. De hecho, la primera película que se conoce del hundimiento del buque data solamente de un mes después del desastre, es decir, de mayo de 1912.
Antes de indagar un poco por la historia cinematográfica del Titanic, quiero transmitirles un hecho, como poco, curioso. Se trata del descubrimiento, catorce años antes del hundimiento del Titanic, de Facility, un libro escrito por un tal Robert Robertson. Éste narraba las desventuras de un buque llamado Titan que chocaba contra algo parecido a un iceberg. Robertson describía el barco como algo inhundible, además fue descrito también con las mismas dimensiones y capacidad que el Titanic; lo ocupó con gente de clase alta y baja y en una noche de abril (impresionante), el barco se hunde. Fue una auténtica predicción de la catástrofe pero, casualidad o no, el hecho causa escalofríos.
El Titanic, hasta James Cameron
Cuando apenas los supervivientes del verdadero Titanic llegaron a Nueva York, de la noticia ya se había hecho eco todo el mundo y un cineasta decidió comenzar el rodaje de la primera película de una larga lista en la historia del cine. Se trata de Etienne Arnaud que dirigió Saved from Titanic, un película muda en la que la actriz principal fue Dorothy Gibson, poco conocida entonces y nada ahora. Esta película se rodó y estrenó en mayo del mismo año pero no tuvo éxito y permaneció muy pocas semanas en cartel. Arnaud no supo captar el sufrimiento de la desgracia y creó una película sin emoción alguna.
Unos años más tarde, en 1933, Frank LLoyd dirigió Cavalcade. No fue una película centrada en el Titanic sino en la vida británica de finales de siglo, vista a través de los ojos de una familia a la que les afecta directamente el hundimiento del barco.
Hitler también quiso hacer su propia versión del Titanic. Mandó dirigir un film en el que la tripulación y los ocupantes del barco apareciesen como ingleses borrachos y despreocupados. Los únicos decentes del barco en toda la película eran, evidentemente, de origen germano. Fue dirigida por Herbert Selping y por Werner Klingler.
En 1953 Jean Negulesco dirigió Titanic. Esta versión poco tiene que ver con la realidad, los hechos eran, en su mayoría, ficticios pero aún así ganó el Oscar, en 1954, al mejor guión, puesta en escena e historia.
A night to remember aparece en 1958.Fue dirigida por Roy Ward Baker De gran realismo, tiene toques de documental, fue protagonizada por Kenneth More, Anthony Bushell, Michael Goodliffe y Laurence Naismith.
En 1980 se rueda, dirigida por James Jameson Raise the Titanic. Cualquier parecido con la historia real es pura casualidad. Esta película es ficción al cien por cien. El barco es rescatado de las profundidades del océano para sacar un valioso tesoro que se escondía en sus bodegas. Fue tan mala que estuvo nominada a varias categorías en los Razzies Awards de 1981.
En 1996 la CBS produjo una miniserie titulada Titanic. La dirigió Robert Lieberman y en ella actúan Peter Gallagher, George C. Scott, Katherine Zeta Jhones y Eva Marie Saint, entre una cincuentena de actores. Está escrita por Joyce Eliason y fue propuesta para los premios EMI 1997 por su sobresaliente sonido.
Y ya, un año más tarde, aparece la película que se convertiría en todo un fenómeno cinematográfico Titanic, de James Cameron. Con un presupuesto de 240 millones de dólares, Titanic se hizo la película más costosa de todo los tiempos a mediados de 1997. Fue estrenada en E.E.U.U. el 19 de diciembre de 1997. En su primer fin de semana, recaudó cerca de 28 millones de dólares, y antes de acabar el año, esa recaudación llegó hasta los 100 millones. Titanic aguantó en el puesto número uno durante más de cuatro meses, siendo de esa manera la película más taquillera de la historia del cine. En el mundo entero, recaudó algo más de 1.8 mil millones de dólares.
Como hemos podido ver, el cine ha encontrado en la desgracia del Titanic una gran fuente de inspiración. Seguro que la cosa no ha acabado en 1997 y antes o después seguiremos descubriendo cosas nuevas y sorprendentes sobre el buque de los sueños.
Cualquier historia es buena para transformarla en una emocionante historia de amor. Así lo hizo el director James Cameron en 1997 con "Titanic". Aunque algunos quisieron negar el posible éxito de esta macroproducción, arrasó en la taquilla (15 semanas nº1) y en los Oscars. No es solo una bonita historia de amor, es además un notable retrato de la antagonía entre las clases altas y las bajas de la época, y una impresionante reconstrucción del trasatlántico (aunque también hay imágenes reales del barco hundido) y de su hundimiento. Al film le acompaña una gran banda sonora de James Horner, innolvidable sobre todo por la canción "My heart will go on" interpretada por Celine Dion.
La historia de la película es la siguiente: Jack (Leonardo DiCaprio) es un joven artista que gana en una partida de cartas un pasaje a América en el primer viaje del Titanic, el más grande trasatlántico jamás construido. Una vez a bordo el joven conoce a Rose (Kate Winslet), una joven de buena familia que se va a casar con Cal (Billy Zane), un millonario engreído que busca el buen apellido de su prometida. Jack y Rose se enamoran, pero Cal y la madre de Rose intentarán por todos los medios que dicha relación no continúe. En esto llegó el iceberg. Entonces sufrimos con la tragedia de la romántica pareja mientras el barco se hunde sin remedio, y todos los intentos de evitar la tragedia son nulos.
Aquí un vídeo con los mejores momentos de la película:
Obtuvo 11 oscars de las 14 nominaciones. Posiblemente el más merecido fue el de mejor vestuario, ya que todos los actores, incluidos los extras, vestían de arriba a abajo la auténtica ropa de la época, incluídos corsets y ligueros.
Solo hay una escena rodada en el mar, las escenas dentro del agua fueron filmadas en una piscina gigante en Baja, Mexico.
El vaho que normalmente se produce a bajas temperaturas, fue añadido digitalmente, y este no es el único de los increíbles efectos especiales.
Y me despido con la "secuela" de Titanic. Pobre Jack, todo tiene que ser tan duro sin Rose...
Anclada en el período de la depresión económica estadounidense, esta fenomenal película de Woody Allen, sirve para representar con acritud el panorama social de la época, personificado en la situación vital de un personaje femenino que se evade de su afligida existencia acudiendo casi todos los días a contemplar la vida perfecta, glamurosa, ideal y romántica exhibida por los héroes intocables de la pantalla grande.
Cecilia (Mía Farrow) es una camarera que malvive en una pequeña localidad de New Jersey con su marido, un bruto y haragán hombre llamado Monk (Danny Aiello) que solo se dedica a jugar y beber cerveza.
Para huir de la realidad, Cecilia acude diariamente al cine Jewel para ver a sus actores y actrices favoritos. Ninguna película le gustará tanto como La rosa púrpura del Cairo, protagonizada por Gil Shepherd (Jeff Daniels).
Un día, deprimida porque le han echado del trabajo y porque se ha enterado de que su marido le engaña, ve varias veces esta película.
Cecilia se queda atónita cuando el protagonista de la película Tom Baxter (Daniels) salta de la pantalla a la vida ral para conocerla. Seducida por su encanto, Cecilia se enamora de él. El dilema le viene cuando conoce al actor que lo interpreta.
Cortejada por ambos, Cecilia luchará por encontrar la delgada línea que separa la realidad y ficción, para descubrir que lo único que las divide es el verdadero amor.
Cecilia va tener que decidir con quien quedarse. Si con el personaje perfecto, que le dará una vida llena de aventuras, amor y seguridad (eso sí, dentro de la panalla), o con el actor, con quien se lleva muy bien.
Por supuesto, ella elige al hombre que pertenece a la realidad, quien posteriormente (y como buen personaje de Woody Allen) se va sin ella. La utiliza para que su imagen volviera a la pantalla, y aunque la quería, prefiere irse sólo, ya que es un personaje real de esa sociedad traumatizada de Allen.
Da un final muy duro que mucha gente quiso que se cambiara, pero Allen no accedió a ello.
En resumen:
"La rosa púrpura del Cairo" es una película dirigida a un espectador inteligente y con una sensibilidad desarrollada.
Emana un amor por el cine que sólo un gran conocedor del mismo puede transmitir. Es por último, la mejor película de Woody Allen en la que no aparece él. Más aún, según sus propias palabras, es su mejor obra.
Poco más se puede pedir.
Ficha técnica:
TITULO ORIGINAL: The godfather, The godfather part II, The godfather part III
PRODUCTORA: Paramount Pictures
DIRECTOR: Francis Ford Coppola
INTERPRETES: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Richard Castellano, Robert Duvall, Sterling Hayden, Diane Keaton, Talia Shire, John Cazale, Simonetta Stefanelli; Al Pacino, Robert Duvall, Diane Keaton, Robert De Niro, Talia Shire, John Cazale, Lee Strasberg; Al Pacino, Diane Keaton, Talia Shire, Andy Garcia, Eli Wallach, Joe Mantegna, George Hamilton, Bridget Fonda
GUION: Mario Puzo, Francis Ford Coppola
MUSICA: Nino Rota; Nino Rota, Carmine Coppola; Carmine Coppola, Nino Rota
Nos encontramos frente a una de las más famosas sagas del panorama del cine, El Padrino I, II y III formarán parte ya de la historia de nuestro blog de la misma manera que forman parte de la lista de las mejores películas de la historia (sobre todo las dos primeras partes).
Basadas en la novela de Mario Puzo, Francis Ford Coppola dirige las tres partes y se asienta en la cima de los grandes de Hollywood; aunque ya había rodado películas como Dementia o El valle del arcoiris, no es hasta 1972 que dirige la primera parte de las tres, cuando consigue su verdadero éxito.
Hablemos un poco del argumento de la saga por si todavía hoy hay alguien que no sepa de qué va:
(ATENCIÓN: Esta parte contiene parte de la trama y detalles del argumento)
(Vito Corleone)
Cuenta la historia de la familia Corleone, una familia de inmigrantes italianos en Estados Unidos. Vito Corleone, implacable padre de familia, es la cabeza de una de las cinco familias italianas que dirigen la mafia en Nueva York. La trama se complica cuando una de las familias pide ayuda a Don Corleone para entrar en el negocio de las drogas,pues éste controla a políticos y policías. Don Corleone se niega y las bandas entran en guerra.
(Michael Corleone)
El hijo menor, Michel Corleone, continuará, sorprendentemente, los pasos de su padre y acabará de manera fría y calculada, con los cabecillas de las demás familias. Con los años, Michael consolida su poder aunque pagará un precio alto pues pierde a su famlia y será, además, investigado por un comité del senado de los Estados Unidos. Además, descubrirá una conspiracion contra él en un negocio de inversión en Cuba. El punto fuerte de esta parte (II) lo alcanza Coppola con dos asesinatos, uno de ellos marcará la vida de Michael hasta su vejez.
En la tercera parte de esta saga, Michael ya ronda los 60 años, sus hijos son adultos y su ex-mujer se había vuelto a casar. Michael quiere hacer un "lavado de imagen" a todos sus negocios y al nombre de su familia y hace un trato con una empresa europea muy ligada al Vaticano. Enredos, conspiraciones, fraudes y asesinatos vuelven a aparecer también ahora. Un hijo bastardo, Vincent Mancini-Corleone, de un hermano de Michael (Santino Corleone, parte I) aparece y éste lo toma como ahijado y guardaspaldas. Vincent tendrá escarceos amorosos con la hija de Michael (a la vez su prima) pero que no llegarán a nada porque Michael le pone como condición indispensable que deje a su hija si quiere seguir como cabeza de familia cuando él ya no pueda más. (Vincent Corleone)
En El Padrino, segunda parte, Coppola narra simultáneamente dos historias. Por un lado la historia actual, la de Michael Corleone, de la cual ya hemos hablado; por otra, nos ofrece una visión de la Nueva York de principios de siglo y nos cuenta los inicios de la familia Corleones en Estados Unidos. Cómo llega Vito Corleone a Nueva York, cómo comienza los negocios y cómo se acaba convirtiendo en el padrino. Hay que decir, a modo de anotación técnica, que todas las secuencias de los inicios de los Corleone están tintadas de un tono sepia que evoca a un pasado y que nos hace entender que es una vuelta hacia los inicios de la familia.
OSCARS
El Padrino fue nomida a diez Oscars de los que se llevó tres: Mejor película, mejor actor (Marlon Brando en el papel de Vito Corleone) y mejor guión adaptado. Entre las derrotas cabe destacar la de mejor actor secundario, al cual estaban nominados James Cann (Santino Corleone), Robert DUvall ( Tom Hagen) y AL Pacino (Michael Corleone). El Oscar lo ganó Joel Gray por Cabaret.
El Padrino II
Estuvo nominada a once Oscars de los que ganó seis: Mejor película, mejor director (Francis Ford Coppola), mejores decorados, mejor actor secundario (Robert De Niro, en el papel de Vito Corleone en su juventud),mejor banda sonora (Francis Ford Coppola y Carmine Coppola). Salió derrotada en las categorías de mejor actor principal (Al Pacino),mejor actor secundario (Michael V. Gazzo y Lee Strasberg), mejor actriz secundaria (Thalia Shire. Ganó Ingrid Bergman por Asesinato en el Orient Express) y mejor diseño de vestuario.
El Padrino III
La tercera y última de la saga fue nominada a siete estatuillas peor no obtuvo ninguna. Fue el año de otra gran película: Bailando con lobos, de Kevin Costner
Podríamos estar horas y horas escribiendo sobre esta saga familiar que marcó un antes y un después en el cine gángster, pero como ya se hablará en otra entrada de las curiosidades de la película, sólo queiro hacer mención a varios aspectos de la película:
Quiero alabar el trabajo de Coppola que consiguió crear una fastuosa obra de arte. Las dos primeras partes son sublimes, la trama, argumento y los actores (importantísima e increible actuación de Marlon Brando, entre otros), es cierto que la tercera es más corriente, se dice que Coppola la dirigió porque se estaba arruinando y sabía que la tercera parte iba a ser taquillera. De todas formas, voy a romper una lanza a favor de esta tercera parte porque el final de la película es para echarse a temblar, Coppola vuelve a dar su toque mágico pues donde hay talento hay cine (¡no os preocupéis que no desvelaré el final!).
Os animo fervientemente a que veáis El Padrino a aquellos que no lo hayáis hecho porque realmente merece la pena; personalmente, El Padrino forma parte de mi colección personal, y cada vez que la veo descubro cosas nuevas, es de esas películas que, aún habiéndola visto mil veces, siempre te emocionas y descubres novedades.
He aquí una escena que a todos nos resulta archiconocida:
Sí, la escena de la ducha en "Psicosis". ¿Qué es lo que hace que esta escena sea tan especial? Sin duda algo que ver tiene la mano del gran Hitchcock. Este gran director mantiene la angustia desde que la figura de Janet Leigh se mezcla con la sangre en la bañera, hasta el desenlace del film. Nadie como Hitchcock podía presentar a un asesino psicópata en la pantalla de esa forma.
Este clásico, está basado en una novela del novelista de terror Robert Bloch. El actor, Anthony Perkins, más tarde se encargaría de dirigir y escribir alguna de las tres secuelas que tiene el film (y de protagonizarlas todas, claro). Pero en todas sus películas posteriores conservaría los gestos dl personaje que interpreta en el film. Pocas escenas del cine de terror son tan famosas (y están tan bien realizadas) como el asesinato en la ducha de Psicosis.
El argumento de la película es a grandes rasgos el siguiente: Una joven se aloja en un pequeño motel, del que se encarga un joven llamado Norman. Mientras toma una ducha, la joven es asesinada a cuchilladas por la madre de Norman, que intenta mantener puro y casto a su hijo. El joven debe hacer desaparecer el cuerpo. Pero la hermana de la joven y un policía siguen la pista de la desaparecida, y llegan al motel.
Es dificil resumir una película como esta, ¡hay que verla para apreciar la espectacularidad del film! Lo curioso es por qué se hizo esta película. A finales de los 60, Hitchcock se encontraba en una encerrona artística producida por la escasez de ideas; su relación con la Paramount hacía aguas tras el aborto de dos proyectos, Flamingo Feather y No Bail For the Judge, el cual había supuesto una pérdida cuantiosa de dinero y tiempo para la productora; y los competidores más directos del realizador, William Castle, Robert Siodmak y Henri Georges Clouzot, entre otros, estaban ganando terreno a pasos agigantados en esa lucha por la aceptación popular que se disputaban entre todos. De hecho el francés había estrenado poco antes Las Diabólicas (Les Diaboliques, 1954), a la postre el germen más claro de la producción de Psicosis. Hitchcock envidió esa muestra de horror tan innovador que Clouzot había fabricado valiéndose simplemente de tres excelentes actores, de unos diálogos subversivos y muy inteligentes y, sobre todo, de un par de escenas filmadas en un latente shock narrativo y de fuerte atracción para el público. El maestro inglés solicitó a su colaboradora Peggy Robertson la tarea de descubrir algún proyecto que se asemejase al filme francés, siendo la novela de Robert Bloch, Psicosis (Psycho), el material que más atrajo a Hitchcock.
Psicosis supuso un antes y después en el cine de terror. La mayoría de las cintas de psicópatas del terror moderno basan su estructura en la que Hitchcock impuso en los 60 con la historia de Norman Bates; pero salvo raras excepciones lo hacen equivocadamente. El defecto de filmes como los pertenecientes a las sagas de Viernes 13 o Pesadilla en Elm Street, u otros como El Pájaro de las Plumas de Cristal o Scream, es desechar cualquier estudio profundo de las intenciones del psicópata en la trama general, para centrarse en los golpes de efecto mejor o peor resueltos. La pesadilla de Norman Bates continuó a lo largo de otras cintas, siendo la segunda parte un producto nada desdeñable, y la siguiente un aburrimiento dirigido por el mismo Anthony Perkins.
Pero centrémonos en el remake moderno, en el Psicosis de Gus Van Sant. Esta película consiguió levantar un gran revuelo durante su mismo rodaje; su director fanfarroneó con el hecho de que sería capaz de emular la original, copiándola plano a plano, enarbolando esa discutible teoría sobre que el cine de ahora es mejor que el de antes. Por desgracia la mecha se consumió antes de tiempo, y aunque paradójicamente su Psicosis no es una mala película, el director demostró ser un auténtico bluff. No..., Psicosis de Gus Van Sant no es un filme fallido..., no es fallido siempre que sea visto descontextualizado, alejado del motivo por el que fue prefabricado, pero si de lo que se trata es de compararla con su predecesora... Gus Van Sant mintió: el director no quiso hacer un clon en color, sino coger lo mejor del filme de Hitchcock y completarlo con escenas más actuales; por ejemplo inserta un plano que muestra a Norman Bates (Vince Vaughn) masturbándose (otro defecto de la mayoría del “terror moderno”, eliminar la sutileza por lo más grueso) y, lo que es peor, convierte el personaje de Vera Miles en una estúpida estudiante norteamericana (una insufrible, patética y falta de glamour Julian Moore) devorachicles y que escucha grunge con su radiocassette. Van Sant mintió: la escena de la ducha la filma con varias cámaras, utiliza zoom y ralentí (aunque muy sutilmente), y aprovecha al máximo el desnudo de la actriz (Anne Heche). Por último, no sólo falla el director y su experimento, también falla el público: en 1960, el público gritó de espanto al contemplar por primera vez a Norman Bates vestido con las ropas de su madre; en los 90, el público se rió y se mofó de la misma escena interpretada ahora por Vince Vaughn; ¿quién falla aquí? Los logros del Psicosis de Gus Van Sant no eran muy difíciles de obtener: su excelente música no es ni más ni menos que la excelente música de Bernard Herrmann, remezclada pero la misma; la maravillosa planificación de Hitchcock ya existía, por lo que repetirla fue tarea fácil para el director, prácticas de escuela como quien dice; y los actores trabajan bien (exceptuando a Moore), aunque no logren emular a sus predecesores. Psicosis de Hitchcock es la que prevalece, mientras que el filme de Van Sant sufre un merecido olvido.
Por último, les recomiendo un libro de interés si les gustan este tipo de películas, para que se ilustren ustedes: "IMÁGENES DE LA LOCURA, la psicología en el cine" de Beatriz Vera Poseck
¿Qué papel juega la figura de la madre de Norman Bates en Psicosis? ¿Qué es lo que le pasa por la cabeza a Sigourney Weaver en Copycat para no querer salir de su casa? ¿Por qué Jack Nicholson en Mejor... Imposible lleva guantes y se lava constantemente las manos? Por sus manifestaciones insólitas y a veces extremas, por sus conductas que nos sorprenden e inquietan, la locura es un mundo cargado de posibilidades que el cine, en tantas ocasiones, ha incorporado a sus argumentos para despertar la curiosidad y cautivar al espectador. La asociación del cine y la locura se remonta a los albores del Séptimo Arte, cuando Dr. Dippys’ Sanitarium (1906) y El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari, 1919) iniciaban una larga lista de filmes, que llega hasta nuestros días, con la locura como parte del argumento central. Imágenes de la locura repasa exhaustivamente el mundo de la psicopatología, describiendo los principales trastornos de la mente (autismo, amnesia, esquizofrenia, ansiedad, retraso mental, agorafobia, trastorno obsesivo compulsivo, disociación-.) y analizando su reflejo y tratamiento en el celuloide.
Un libro que cautivará tanto a los apasionados del cine como a los interesados en la psicología, y les ayudará a comprender e interpretar numerosas películas, entre las que se encuentran algunas de las obras maestras de la historia del cine, a la vez que les introducirá en el complejo y fascinante mundo de la psicopatología. Después de su lectura, muchas películas míticas, de referencia -Psicosis, El pequeño salvaje, Recuerda, Las tres caras de Eva, Memento, Spider, El aviador, El club de la lucha...-, que ya forman parte esencial de nuestra cultura, cobrarán nuevos significados. Una guía por los más oscuros y recónditos pasadizos de la mente humana a través de la gran pantalla.
Y me despido con las mejores imágenes de la película:
Información tomada en gran parte de www.pasadizo.com
¿Qué pasó en el mundo tras la Segunda Guerra Mundial?
Los años de la posguerra afectaron a toda la población y quedó reflejado en la juventud de la época. Nicholas Ray trató de mostrar la realidad de algunos jóvenes en “Rebelde sin causa”, 1955.
Los protagonistas Jim, Judy y “Platon”, interpretados por James Dean, Natalie Wood y Sal Mineo, respectivamente, son el espejo de unos jóvenes alienados, donde sus problemas parten de las relaciones con sus padres.
Jim vive en un hogar en el que su padre está sometido a la voluntad de su mujer, que es la persona que lleva las riendas de la casa. Y el adolescente tiene muy claro que no quiere ser como su padre, sino que busca su personalidad e independencia. Tampoco pretende ser conflictivo, pero las circunstancias se ponen en contra de sus deseos...
Así, tras no saber cómo resolver los problemas ni cómo actuar con Jim, sus padres deciden mudarse a otra ciudad (después de haber cambiado varias veces de lugar) para comenzar una nueva vida.
Llegado Jim a la ciudad, un día se emborracha –lo que no deja dudas de sus buenas cualidades de actor- y acaba en comisaría, donde conocerá a Judy, que ha decidido escaparse de casa; y a Platon, que ha matado a tiros a unos cachorros. Sin embargo, los padres de los dos primeros irán a recogerles para que salgan de comisaría; mientras Platon es visitado por la criada que vive en su casa.
En esta primera escena ya se refleja la tensión entre padres e hijos.
Jim se rebela, no es de trato fácil y sus padres son cobardes. No saben cómo deben actuar. Además, en comisaría el padre del chico trata de excusarlo diciendo que se han cambiado de ciudad y que aún no tiene amigos... Sin embargo, Jim prefiere ser sincero. Esta diferencia simboliza los enfrentamientos ocasionales que se originan entre ellos.
Una vez instalados en su nuevo espacio, Jim descubre que Judy es su vecina. Ella vive con sus padres pero no acaba de encajar con ellos... Así, la chica creará un vínculo especial con Jim y Platon cuando empiecen a conocerse.
Por su parte, Platon vive en un ambiente que no le permite encontrar la estabilidad que necesita. Sus padres se han separado y no siente que le estén prestando la atención que reclama.
Poco a poco, los tres jóvenes irán uniéndose más hasta llegar a conocer diferentes sentimientos. Jim, encontrará el amor en Judy; y será íntimo amigo de Platon.
Los dos primeros hacen que su cariño suplante al que no les saben dar sus padres; y Platon encontrará la figura paterna en sus dos nuevos amigos. Experimentarán y crecerán siendo cada vez más independientes de su entorno familiar, llegando a descubrir nuevas inclinaciones.
James Dean creará un personaje complicado porque no dejará de verse involucrado en problemas como peleas, carreras peligrosas de coches, riñas con su padre... Los insultos tampoco cesarán por parte de los otros jóvenes de la ciudad que lo critican, y un largo etcétera que no dan lugar a dudas de lo que pretende mostrar Nicholas Ray.
Los jóvenes que aparecen en la película no son más que la muestra de la revelación frente a la obediencia, la expresión libre de su inconformismo, la búsqueda de una nueva forma de pensar, diferente a la de los adultos...
El director del film quiso dejar ver una nueva era que partía desde el fin de la Segunda Guerra Mundial, repleta de cambios en la sociedad. Ésta marcaba un nuevo pensamiento.
¿Te interesa la película? No dejes de verla porque realmente es un antiguo mito que no ha pasado de moda pese a que ya han transcurrido más de 50 años desde su rodaje. Para que puedas hacerte una idea, aquí puedes ver los rebeldes que fueron los protagonistas; y también hay otro vídeo en el que aparecen imágenes de James Dean, para que no le olvidemos. La verdad es que él fue una auténtica revolución, pese a su corta carrera.
En 1946, Charles Vidor dirigió la emblemática Gilda, en los estudios Columbia de Hollywood.
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SINOPSIS: Johnny Farrell, un vividor aficionado a hacer trampas en el juego, acaba en Buenos Aires. Allí termina siendo ayudado por Ballin Mundson, propietario de un lujoso casino, a salir de un gran apuro. Johnny acabará siendo su mano derecha. Un día, su superior le presenta a su esposa, Gilda. Él reacciona sorprendido y perplejo, ya que gracias a ella, él se había convertido en una persona tremendamente amargada y cínica. La película narra las relaciones tempestuosas que se establecen entre Gilda y Johnny, a raiz de su imprevisto reencuentro.
Gilda se ha convertido en un icono de las películas de la década de los 40, no ya por su extrictamente realización sino por la estétetica y simbolismo que representa. Gilda reproduce en su persona la ya clásica batalla de géneros pues es una mujer exacerbadamente luchadora, que no se resigna, que lucha con toda sus fuerzas contra el hombre al que una vez amó y ahora intenta someterla.
Un guante, un número musical al son de "Put the Blame on Mane" y uno de los más famosos tortazos de la historia del cine clásico hacen de Gilda una película que encierra magia y que es inimitable.
Dentro del llamado Cine Negro, Gilda cuenta con un reparto espectacular:Rita Hayworth, Glenn Ford, George MacReady, Joseph Calleia, Steven Geray, Rosa Rey, Joseph Sawyer y Gerarld Mohr. La interpretación, el guión, los ambientes densos, la fotografía, la banda sonora...todo ello hace de Gilda un clásico del cine, una película única que todos deberíamos ver, por lo menos, una vez en nuestra vida.
Y para dejar la miel en los labios...los mejores momentos de Gilda, incluyendo el famoso tortazo de Jhonny (disculpen la banda sonora pues no es la más apropiada, pero el trailer resume muy bien todo lo que que se ha dicho de Gilda).
. Cualquier parecido con la historia real es pura casualidad. Esta película es ficción al cien por cien. El barco es rescatado de las profundidades del océano para sacar un valioso tesoro que se escondía en sus bodegas. Fue tan mala que estuvo nominada a varias categorías en los Razzies Awards de 1981.
(Vincent Corleone)
